Bloody Marlene ( El Brazo De Oro ) 1979

Murió el actor Bud Spencer a los 86 años

INFOSHOW Murió el actor Bud Spencer a los 86 años El intérprete italiano tuvo una exitosa carrera en el cine de la mano del género spaghetti western. Se hizo famoso por su dupla con Terence Hill 27 de junio de 2016 Bud Spencer Bud Spencer El actor italiano Carlo Pedersoli, conocido como Bud Spencer, murió este 27 de junio a los 86 años, según informó su hijo Giuseppe en un comunicado dirigido a los medios de su país natal: "Papá ha fallecido tranquilamente a las 18:15 horas. No ha sufrido, nos tenía al lado y su última palabra fue 'gracias'". El mítico intérprete, quien en 1947 vino a Buenos Aires, donde trabajó como bibliotecario, es recordado por ser un referente del género cinematográfico spaghetti western, también conocido como western europeo. Además, fue guionista, productor, cantante y compositor. También fue campeón de natación y participó en dos Juegos Olímpicos. Junto con el actor Terence Hill formó una dupla inolvidable que repartía sonrisas y golpes en sus divertidas películas. Marcaron una época en el cine, caracterizada por sus desventuras en el lejano Oeste, en alta mar o en las fuerzas de seguridad de Miami. Su primer largometraje juntos fue Dios perdona, yo no (1967), que tuvo dos secuelas. Su primer gran éxito fue Le llamaban Trinidad (1971) y el último Y en Nochebuena se armó el belén (1994). En 1960 se casó con María Amato, con quien tuvo tres hijos: Giuseppe (1961), Christine (1962) y Diamante (1972).

Carlo Pedersoli, más conocido como Bud Spencer

Bud Spencer Bud Spencer en diciembre 2009. Información personal Nombre de nacimiento Carlo Pedersoli Nacimiento 31 de octubre de 1929 Bandera de Italia Nápoles, Italia Fallecimiento 27 de junio de 2016 (86 años) Roma, Italia Nacionalidad Italiana Características físicas Altura 1,94 m (6 ft 4 in) Peso 125 kg (275 lb) Familia Cónyuge Maria Amato (1960-2016) Hijos 3 Información profesional Ocupación Actor Año de debut 1950 Año de retiro 2016 Seudónimo Bud Spencer Distinciones Premio David di Donatello al logro de vida (2010) Web Sitio web www.budspencer.com Facebook budspencerofficial [editar datos en Wikidata] Carlo Pedersoli, más conocido como Bud Spencer (Nápoles, 31 de octubre de 1929 - Roma, 27 de junio de 2016),1 fue un actor, guionista, productor cinematográfico, cantante y compositor italiano. Fue también campeón italiano de natación y participó en dos Juegos Olímpicos. Es más conocido por sus colaboraciones con Terence Hill. Fallece en un hospital de Roma el 27 de junio de 2016 a las 18:15 acompañado de su familia. Según declaró su hijo Giuseppe Pedersoli su última palabra fue "Gracias". 2 Carlo Pedersoli nació el 31 de octubre de 1929 en Nápoles, Italia. En 1947 la familia emigra a Sudamérica y Carlo abandona los estudios de química de la Universidad La Sapienza de Roma. En Buenos Aires (Argentina) es bibliotecario, en Montevideo (Uruguay), ejerció como bibliotecario durante años, y trabajó en el consulado italiano local. De vuelta en Italia ingresa en el equipo nacional de natación y participa en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1952 y Melbourne 1956. En 1957 Pedersoli retorna a Sudamérica y trabaja en la construcción del tramo Venezuela-Colombia de la carretera Panamericana. Esta experiencia le permitió "reencontrarse a si mismo en los límites y en las potencialidades". Posteriormente pasa a formar parte de una concesionaria de autos de Caracas hasta 1960. En 1960 se casó con María Amato, con la que tiene tres hijos: Giuseppe (1961), Christine (1962) y Diamante (1972). Hablaba seis idiomas. Palmarés deportivo[editar] Foto del 8 de febrero de 1950: Carlo Pedersoli en los 50 metros mariposa. A los 20 años, en 1949, comienza a nadar para el club SS Lazio proclamándose campeón de Italia de los 100 metros libres, un título que conquistaría en siete ocasiones consecutivas.3 Carlo Pedersoli fue el primer nadador italiano en rebajar el muro del minuto en los 100 metros libres (19 de septiembre de 1950 en Salsomaggiore –con una marca de 59”5). Fue semifinalista olímpico en Helsinki 1952 y en Melbourne 1956 e integrante del “Settebello” de los años 50 en waterpolo. De 1949 a 1956 fue 7 veces campeón italiano en los 100 metros libres. Representó a Italia en los Juegos Mediterráneos de 1951 (ganando dos medallas de plata), en los Juegos Mediterráneos de 1955 (ganando la medalla de oro con el equipo italiano de waterpolo), en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1952, en los Juegos Olímpicos de Melbourne 1956 y en los Juegos Olímpicos de Roma 1960. Durante su estancia en Venezuela participa con el equipo nacional en el III Campeonato Grancolombiano de natación celebrado en Caracas en 1959. Carrera cinematográfica[editar] Su primera aparición en el cine fue en 1950, iniciándose en Quo Vadis?, haciendo de guardia del Imperio Romano. Cambió su nombre por el de Bud Spencer en 1967 porque le gustaba Spencer Tracy y la cerveza Budweiser. Con ese nombre protagonizó su primer film con el también actor italiano Terence Hill, en la película Dios perdona... yo no (1967), de la que ambos protagonizaron dos secuelas. La pareja protagonista de Spaghetti Westerns alcanzó su primer gran éxito con Le llamaban Trinidad, película del año 1971 que, aunque ambientada en el salvaje oeste, ya ejemplificaba los derroteros artísticos por los que luego discurriría su carrera. Cine de humor con catárticos finales a base de mamporrazos, y con una dualidad en los personajes basada en la fuerza expeditiva y acción directa de Bud frente al audaz y manipulador Terence. Otros[editar] Carlo Pedersoli también es autor de las canciones de algunas de las películas donde participa como actor. Su pasión por la aeronáutica le llevó a obtener la licencia de piloto privado tanto de avioneta como de helicóptero. En 1981 fundó la línea aérea de carga Mistral Air, que pertenece ahora al Correo italiano. En 2009 hizo un anuncio para Bancaja, el anuncio de televisión se acompañó con la canción Born to be alive. El estilo del mismo recuerda las películas grabadas en la década de los setenta junto con Terence Hill, como fue el caso de Dos super-policías. En 2010 recibe junto a Terence Hill el premio "David di Donatello" por su trayectoria artística. Muerte[editar] El 27 de Junio de 2016 unos de sus hijos Informo sobre la Noticia de su Fallecimiento. Murio a la edad de 86 años este 27 de junio de 2016 a las 18:15 (Hora Italiana) en la ciudad de Roma,Italia4 Filmografía[editar] En solitario[editar] Tetralogía Zapatones[editar] Piedone lo sbirro, 1973 (El super-poli), Inspector Rizzo "Zapatones". Piedone a Hong Kong, 1975 (Pies grandes o Pies grande va a Hong Kong o Zapatones en Hong Kong), Inspector Rizzo "Zapatones". Piedone l'africano, 1978 (¡Puños fuera!), Inspector Rizzo "Zapatones". Piedone d'Egitto, 1980 (Zapatones), Inspector Rizzo "Zapatones". Duología El supersheriff y el pequeño extraterrestre[editar] Uno sceriffo extraterrestre - poco extra e molto terrestre, 1979 (El sheriff y el pequeño extraterrestre), Sheriff Joe Scott. Chissà perché... capitano tutte a me, 1980 (El supersheriff), Sheriff Joe Scott. Títulos independientes[editar] Quo Vadis, 1951 (Quo vadis?), guarda imperial A Farewell to Arms, 1957 (Adiós a las armas), carabiniere. Annibale, 1959 (Aníbal) Al di là della legge, 1967 (Más allá de la ley) Oggi a me... domani a te!, 1968 (Ojo por ojo) Hoy por ti, mañana por mí, 1968 Un esercito di cinque uomini, 1969 (Un ejército de cinco hombres), Mesito. Dio è con noi, 1969 (Y Dios está con nosotros), Cpl. Jelinek. 4 mosche di velluto grigio, 1971 (Cuatro moscas sobre terciopelo gris), Godfrey 'God'. Una ragione per vivere e una per morire, 1972 (Una razón para vivir y una para morir) Si può fare... amigo, 1972 (En el oeste se puede hacer... amigo) Torino nera, 1972 (Turín Negro) Anche gli angeli mangiano fagioli, 1973 (También los ángeles comen judías), Charlie Smith. Il soldato di ventura, 1975 (El soldado de fortuna) Charleston, 1977 (Mr. Charleston y sus secuaces), Mr. Charleston. Lo chiamavano Bulldozer, 1978 (Le llamaban Pegafuerte o Pegafuerte) Occhio alla penna, 1981 (Dos granujas en el oeste), Buddy. Banana Joe, 1981 (Banana Joe), Banana Joe Bomber, 1982 (Bombardero) Cane e gatto, 1982 (Como el perro y el gato), de Sargento Alan Parker. Aladin, 1986 (Aladino) Un piede in paradiso, 1991 (Un zapatón en el paraíso), Bull Webster. Al límite, 1997, Elorza. Hijos del viento (Entre la luz y las tinieblas), 2000, Quintero. Padre Esperanza, 2001 Cantando detrás del parabrisas, 2002 Coprotagonizadas con Terence Hill[editar] Trilogía de Cat Stevens y Hutch Bessy[editar] Dio perdona... Io no!, 1967 (Dios perdona... yo no) (1967), Hutch Bessy "Earp". I quattro dell'ave Maria, 1968 (Los cuatro truhanes), Hutch Bessy. La Collina degli stivali, 1969 (La colina de las botas), Hutch Bessy. Ciclo Trinidad[editar] Lo chiamavano Trinità..., 1970 (Le llamaban Trinidad), «el Niño». Continuavano a chiamarlo Trinità, 1972 (Le seguían llamando Trinidad), «el Niño». Títulos independientes[editar] Il corsaro nero, 1971 (El corsario negro), Skull. Più forte, ragazzi!, 1972 (¡Más fuerte, muchachos!), Salud. Altrimenti ci arrabbiamo, 1974 (Y si no, nos enfadamos o Juntos son Dinamita en Latinoamérica), Ben. Porgi l'altra guancia, 1974 (Dos misioneros), Padre Pedro. I due superpiedi quasi piatti, 1976 (Dos super-policías), Wilbur Walsh. Pari e dispari, 1978 (Par impar o Pares y nones), Charlie Firpo. Io sto con gli ippopotami, 1979 (Estoy con los hipopótamos o Jugamos con los hipopótamos), Tom. Chi trova un amico, trova un tesoro, 1981 (Quien tiene un amigo... tiene un tesoro o El que encuentra un amigo, encuentra un tesoro), Charlie O'Brien. Nati con la camicia, 1983 (Dos super super esbirros), Doug O'Riordan "Mason". Non c'è due senza quattro, 1984 (Dos super dos o Dos puños contra Río), Greg Wonder / Antonio Coimbra de la Coronilla y Azevedo. Miami Supercops, 1985 (Dos superpolicías en Miami), Steve Forest. Botte di Natale, 1994 (Y en Nochebuena... ¡Se armó el Belén!), Moses.

Dos Puños Contra Rio - Bud Spencer & Terence Hill (1984) Español Latinoa...

Le SeguÍan Llamando Trinidad 1971] Terence Hill Bud Spencer

Le llamaban Trinidad

Mas alla de la luz - película completa en español (Basada en hechos reales)

EL INDOMABLE WILL HUNTING

El club de los poetas muertos (1989) Pelicula Completa

DIEZ PELÍCULAS DE Robin Williams

Robin Williams Robin Williams ha muerto/2014. Las primeras informaciones apuntan a que este actor, considerado uno de los más entrañables por varias generaciones, optó por el suicidio. Una depresión, agudizada en las últimas semanas, lo habría llevado a tomar la decisión de acabar él mismo con su vida. Su familia lo llora y sus seguidores, contados por millones en todo el mundo, lo recuerdan con dolor y cariño. Robin McLaurin Williams, nacido en Chicago el 21 de julio de 1951, deja varias películas para el recuerdo. De sus más de 100 caracterizaciones en cine y televisión hemos escogido diez que resuman su versatilidad. 1. Good Morning Vietnam (1987) Dirigida por Barry Levinson, en esta película Robin Williams interpreta a un discjockey destacado a Vietnam. Su labor no es nada fácil: animar a los jóvenes soldados a través de la radio. Sus problemas empieza cuando Adrian Cronauer (el personaje de Williams) lanza comentarios sobre la guerra que no son bien recibidos por los militares. Anuncios alejados de lo políticamente incorrectos, que responden a la censura con imaginación, mucha ironía y exceso de sarcasmo. 2. Jumanji (1995) "Jumanji" significa en zulu "muchos efectos" y es el nombre de un juego de mesa que inspira un cuento infantil publicado en 1981. En este está basada la película de 1995 en la que participa Robin Williams. En la historia, el niño Alan Parris descubre un juego de mesa mágico, en el que queda atrapado. 25 años después, dos niños encuentran en juego y descubren la magia del juego y a un Alan mayor barbudo. Robin Williams interpreta al Alan ermitaño. 3. Good Will Hunting (1997) En este filme, el personaje de Robin Williams es un profesor de Química que busca ayudar a un joven que, pese a contar con un intelecto superior al promedio y que pudo ser calificado de pequeño como niño genio, es conflictivo, ha tenido problemas con la justicia y ha crecido en un entorno negativo. Así, el profesor Sean Maguire (Williams) viene a ser una suerte de linterna para que el genio díscolo Will Hunting (interpretado por Matt Damon) salga de la oscuridad. "Good Will Hunting", su nombre en inglés tuvo nueve nominaciones a los Premios Óscar, de los que ganaron dos, uno al mejor guión original (Matt Damon y Ben Affleck) y el otro lo ganó Robin Williams, como mejor actor de reparto. 4. La Sociedad de Poetas Muertos (1989) Imaginen el colegio internado para varones más conservador y rancio. En un sistema lleno de prohibiciones, normas a cumplir y presiones para ser los mejores, hay un profesor salido del molde que, alejado de los convencionalismos de la tradicional escuela, busca llevarle a sus alumnos la sensibilidad hacia el arte y hacia la vida. John Keating es el maestro aludido, lo interpreta Robin Williams. El filme ganó un Óscar por el mejor guión original. 5. Patch Adams (1998) En esta película protagonizada por Robin Williams, el actor da vida a un médico que ve en la risa y el humor una buena terapia para que sus pacientes olviden los malos momentos e incluso mejoren su salud. Patch Adams, el médico, se ve en problemas debido a las polémicas que despertarán sus técnicas son poco convencionales. Otro de los que actúan en este entrañable filme es Philip Seymour Hoffman, actor que también fue hallado muerto el año pasado. Adicto a la heroína, una sobredosis habría acabado con su vida. 6. Más allá de los sueños (1998) Se trata de una historia de amor que trasciende la vida. Robin Williams encarna esta vez a Chris Nielsen, un padre de familia que pierde a sus dos hijos en un accidente de tránsito. La vida de los Nielsen se derrumba y Annie, la esposa de Chris cae en una depresión que se hace más profunda cuando Chris también muere. Annie opta por suicidarse y Chris, desde el más allá deberá buscarla. No la tendrá fácil: en la ficción, quienes deciden suicidarse acaban en el purgatorio. El final es entrañable. 7. Popeye (1980) Si bien la película fue un fiasco en taquilla y no colmó las expectativas de los seguidores del clásico dibujo animado, este filme permite descubrir, una vez más, la versatilidad dramática de Robin Williams. Olvidémonos del argumento, tan simple como el de las caricaturas infantiles, e imaginemos el trabajo que debió implicar para Williams la creación de Popeye. Desde los gestos, la forma de caminar y las acciones exageradas. Un dato adicional: se trata del primer papel protagónico de nuestro artista en la pantalla grande; antes había tenido roles en la televisión desde 1977. 8. Noche en el museo (2006) Larry Daley (interpretado por Ben Stiller) busca dejar de ser ese personaje gris, mediocre y perdedor que ha perdido su trabajo, es mal visto por su ex esposa y su pequeño hijo. Así, consigue trabajo de vigilante nocturno en el espectacular Museo de Historia Natural de Nueva York. Cuando el Sol da paso a la noche, algo mágico ocurre en este lugar: todas las muestras cobran vida y se puede ver a animales de los cinco continentes dando vueltas por las instalaciones, así como a personajes históricos. Robin Williams interpreta a uno de ellos: el ex presidente norteamericano Theodor Roosevelt. Pese a no ser un personaje principal, el profesionalismo de Williams se ve en cada escena en la que aparece Roosevelt. 9. El hombre bicentenario (1999) En esta película ambientada en el año 2005, Robin Williams interpreta a Andrew, un androide distinto al resto: tiene sentimientos y expresa emociones al igual que un ser humano. Con el pasar del tiempo, 200 años después, Andrew deberá escoger si debe convertirse o no en un ser humano. Basada en un cuento del escritor de ciencia ficción Isaac Asimov 10. Señora Doubtfire, papá de por vida (1993) Aquí, Robin Williams es Daniel Hillard, quien se divorcia de su esposa y pierde la custodia de sus tres hijos. Pese a que los puede ver los fines de semana, Daniel se entera de que su ex esposa anda en búsqueda de una niñera y es en este punto que la película toma forma: experto en caracterizar personajes (hace el doblaje de películas), Daniel Hillard decide disfrazarse y hacerse pasar como una sesentona, la señora Doubtfire. Es así que se hace del trabajo de niñera y cuida a sus hijos todos los días. La serie de enredos que vienen a continuación refuerzan el mensaje final de esta película: un padre está dispuesto a todo por sus hijos.

Julieta - http://www.sensacine.com/empresa/ficha-9031/

ESTRENADA EL 8 de abril/2016

Julieta 2016 ‧ Cine dramático ‧ 1h 39m 3,3/5 SensaCine.com 6,7/10 FilmAffinity Julieta es una película española escrita y dirigida por Pedro Almodóvar. La película protagonizada por Emma Suárez y Adriana Ugarte, que interpretan el antes y el después de la protagonista ... Wikipedia Fecha de estreno: 8 de abril de 2016 (España) Director: Pedro Almodóvar Guión: Pedro Almodóvar Historia creada por: Alice Munro Música compuesta por: Alberto Iglesias SINOPSIS SINOPSIS Película no recomendada a menores de 12 años. Casualidad o no, la vida de Julieta (Adriana Ugarte) en los años ochenta fue una gran época, la mejor. Pero en la actualidad, la vida de Julieta (Emma Suárez) es una catástrofe sin solución, una lucha por sobrevivir al borde de la locura. Solo un milagro la salvará. Y los milagros a veces ocurren… En esos 30 años de la vida de Julieta, entre los años 1985 y 2015, aparecerán un coro de personajes secundarios esenciales en su historia: la sirvienta arisca, austera y competitiva (Rossy de Palma), la amiga fiel e infiel (Inma Cuesta), el amante adulto (Darío Grandinetti), la casual y liberal compañera de viaje (Pilar Castro), la amiga de la infancia y responsable de complementos de una revista de moda (Michelle Jenner), la persona de gran intransigencia y superioridad moral (Nathalie Poza), también el padre de Julieta (Joaquín Notario), y la madre y abuela (Susi Sánchez) ausente, etérea y omnipresente. Y sobre todo, un hombre, un pescador gallego, (Daniel Grao) y su hija (Blanca Parés). La mayor parte del misterio y del dolor se refieren a ella, una desconocida para su madre, alrededor de la cual gira gran parte del drama. Un film que habla del destino inevitable, del complejo de culpa y de ese misterio insondable que nos hace abandonar a las personas que amamos, borrándolas de nuestra vida como si nunca hubieran significado nada. De todo ese dolor que provoca el abandono de un ser querido. Con Julieta, Pedro Almodóvar (Los amantes pasajeros, La piel que habito, Los abrazos rotos) vuelve al drama y al universo femenino. Almodóvar escribe y dirige este film protagonizado por Emma Suárez (Murieron por encima de sus posibilidades, La mosquitera, Horas de luz) y Adriana Ugarte (Palmeras en la nieve, El tiempo entre costuras, Niños Robados), que se meten en la piel del mismo personaje, Julieta, a lo largo de su vida, entre los años 1985 y 2015. El filme cuenta también con Michelle Jenner (Tenemos que hablar, Open Windows), Rossy de Palma (Incidencias, Anacleto: Agente secreto), Inma Cuesta (La novia, Tres Bodas de Más), Nathalie Poza (Truman, Todas las mujeres), Pilar Castro (El tiempo de los monstruos, Gordos), Darío Grandinetti (Francisco: el Padre Jorge, Relatos salvajes), Susi Sánchez (15 años y un día, La teta asustada) y Daniel Grao (La mula, Fin). Distribuidora Warner Bros Pictures España...

Tráiler de 'Julieta', de Pedro Almodóvar

Julieta, la última de Pedro Almodóvar en la que a la masculinidad ni cabida.

Se estrenó en abril... Tráiler de 'Julieta', la nueva película de Almodóvar EXPANSION.COM Pedro Almodóvar estrena el próximo abril 'Julieta', una cinta que, según palabras del propio director, supone "un regreso al cine de mujeres, de grandes protagonistas femeninas, y un drama que se pega muy duro". La cinta cuenta las adversidades de una mujer que durante tres décadas sufre el abandono o la ausencia de personas importantes en su vida. soy VIERNES, 24 DE JUNIO DE 2016 CINE Hable de ellas Universos femeninos y amores entre féminas son los ejes de Julieta, la última de Pedro Almodóvar en la que a la masculinidad ni cabida.

Por Alejandro Dramis - PÁGINA 12- ARGENTINA Julieta es un auténtico dramón, y desde el primer fotograma deja bien claro que no pretende sacarnos ni una sola sonrisa en sus noventa minutos, aunque sí unas cuantas lágrimas. La historia, que no tiene demasiados rodeos argumentales pero sí espacio-temporales, se centra en las vivencias de la Julieta que bautiza el film: mujer frágil, madura, al borde de la locura y viviendo sola en una Madrid nostálgica y ajena, en la que habitan viejos fantasmas que muy mal le hacen pero que tan necesarios son para su misión diaria por saber algo, lo que sea, de su hija Antía, que la abandonó repentinamente hace doce años y de la que desconoce por completo su vida y su paradero desde entonces. Así, la última de Almodóvar deviene una crónica de los sucesos que la llevaron a esta madre solitaria a transitar un presente desolador y difuso, ubicando el comienzo de lo que hay que saber en un tren nocturno que marcha por los años 80 españoles, cuando la Julieta joven, viajera cyberpunk y profesora de literatura clásica, mezcla de Madonna y Debbie Harry, conoce a Xoan, un pescador con el que comienza una intensa relación de la que nace Antía, su única hija. La aparente perfección sobre la que marchaban los primeros años de la relación amorosa y familiar de Julieta se quiebra de golpe ante un suceso trágico que cambiará para siempre su vida, y sobre todo, irá dinamitando en lo cotidiano su relación con una Antía callada, introspectiva y cada vez más misteriosa. Con Julieta Almodóvar apuesta fuerte por retratar con profundidad y sutileza diversos universos femeninos, al punto tal de prescindir prácticamente por completo de los personajes masculinos y volverlos meros accesorios cuasi descartables de la historia: el corazón y la columna vertebral del film son aquí la perseverancia en la fragilidad, la dureza del amor incondicional y la independencia encarnadas respectivamente en tres mujeres: Julieta, Marian (la empleada de Xoan, en un gran papel interpretado por la amada Rossy de Palma) y Antía, quien, tras sugerencia más sugerencia menos del guión, deja entrever que su salida airosa de las tragedias familiares fueron posibles gracias a una relación de amistad que rápidamente devino amorosa con Beatriz, su compañera de escuela desde la primaria. La crítica que tanto aburre y cansa no se cansó de decir, con intenciones peyorativas, que esta es la película “menos almodovariana” de Almodóvar (categorización pobre, arbitraria y absurda, como todas las de esa índole) ante la evidente falta de personajes bizarros o melodramáticamente desbordados. Frente a ese reclamo Julieta crea un cosmos sutil que refleja una serie de símbolos que construyen una pasarela que los personajes recorren desde el feminismo a lo queer, no solo en los diálogos, las miradas, los roces y las actitudes que cimientan la relación entre Antía y Beatriz desde su primer encuentro en el campamento escolar, sino también en los guiños que consolidan en segundo plano el espacio de las múltiples identidades por las que transitan todos los personajes, acompañados de fotografías y canciones de Chavela Vargas, libros de Marguerite Duras, lazos familiares exclusivamente femeninos o esculturas de varones asexuados que dejan una estela de marca registrada almodovariana en la retina del espectadorx atentx, quien, acostumbradx a sus films, sabe que no solo se debe buscar en lo que se muestra, sino sobre todo en lo que aparece cuando se desvía la mirada, porque en el desvío siempre está la clave. Probablemente esta sea su película menos “rara”, aunque a esta altura del partido cabría preguntarse si lo más “raro” que podría hacer Almodóvar no es justamente lo hecho: filmar una historia como la de Julieta y sortear todas las características esperables, propias del imaginario cinematográfico que supo crear en todos estos años. Quizás de eso se trate lo queer en los tiempos que le corren: desilusionar para crear nuevas ilusiones.

Entrevista a Pedro Almodóvar

Las palículas de: Ingmar Bergman

Ingmar Bergman Guionista Ingmar Bergman fue un guionista y director de teatro y cine sueco. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, es para muchos, el cineasta más grande de la historia del cine. Wikipedia Fecha de nacimiento: 14 de julio de 1918, Upsala, Suecia Fecha de la muerte: 30 de julio de 2007,Fårö, Suecia Créditos de música de películas: La vergüenza Hijos: Linn Ullmann, Eva Bergman, Anna Bergman, Mats Bergman, Más Cónyuge: Ingrid von Rosen (m. 1971–1995), Más Entre Ingmar Bergman y Calígula Por: Alberto Benegas Lynch (h) La infancia de cada cual marca la vida, la influye grandemente, no la determina, puesto que la persona siempre debe tener presente que el segundero del reloj pasa rápido y que es su responsabilidad qué hace con su yo. No es conducente pasar el tiempo despotricando contra el padre que no le prestó la bicicleta o incluso temas mucho peores que pueden haber ocurrido. Es imprescindible arremangarse y encaminarse con decisión hacia metas de excelencia; los pretextos y las excusas no valen como escudo para no lograr lo que se debe. Ingmar Bergman tuvo una infancia por cierto difícil, llena de nubarrones y tormentas. Su autobiografía se titula Linterna mágica, que tiene un sentido figurado, que es el cine y uno literal, que consiste en que cuando era frecuentemente castigado físicamente por su padre, a quien “terminada la tanda de azotes había que besar su mano” y luego encerrado en un ropero a oscuras durante largo tiempo, llevaba consigo de contrabando una linterna que al prenderla se imaginaba una producción cinematográfica. Desde que nació, en julio de 1918, tuvo enfermedades y achaques de salud varios hasta su muerte en 2007. Inmediatamente después del parto, los médicos consideraban que no sobreviviría: “Era como si no acababa de decidirme a vivir”, escribe Bergman. Transcurrió su niñez acosado por su padre —pastor protestante—, con la noción truculenta de autoridad absoluta, pecado, castigo y misericordia, a pesar de lo cual asistió a discusiones de tono y contenido muy elevado entre sus padres; incluso en una oportunidad vio cómo el padre le pegaba a su madre. Según Bergman, “este hecho contribuyó posiblemente a nuestra pasiva aceptación del nazismo. Nunca habíamos oído hablar de libertad y no teníamos ni la más remota idea de a qué sabía. En un sistema jerárquico, todas las puertas estaban cerradas”. Sin duda que sin llegar a estos extremos inauditos, está presente la idea totalitaria en muchas familias. Los comandos dirigidos a los hijos para hacer lo que digan los padres sin discutir no sólo afectan gravemente la autoestima de la prole, sino que dan por tierra con elementales procedimientos de la función educativa, de amistad y comprensión. La conversación, la persuasión y el intercambio de ideas entre padres e hijos resultan esenciales para la formación de almas bajo su responsabilidad. En el caso que nos ocupa, no solamente puede hablarse de “la aceptación pasiva del nazismo”, sino que en otro momento de su juventud Bergman relata que en una visita al territorio alemán terminó haciendo el saludo nazi en un clima festivo en ocasión de un discurso de Adolf Hitler —el consabido asesino serial— y constató: “Los domingos la familia iba a misa solemne. El sermón del pastor era sorprendente. No hablaba con base en los evangelios sino en el Mein Kampf ”. El día del discurso de Hitler “las campanas replicaban, tanto las severamente protestantes como las jubilosamente católicas” y “en la ópera se anunciaba la obra de Richard Wagner, Rienzi, en función de gala seguida de fuegos artificiales”. Bergman declara: “Mi hermano fue uno de los fundadores y organizadores del partido nacionalsocialista sueco, mi padre votó varias veces por los nacionalsocialistas”. A esta altura es pertinente refutar con el mayor énfasis aquello que muchas veces se sostiene en cuanto a que sorprende el hecho de que un pueblo “bien educado” haya dado su apoyo a semejante movimiento criminal. Pues esto de la supuesta buena educación no es cierto, resulta de la mayor importancia constatar la gran difusión en colegios y universidades alemanas de los textos de autores que ponen de manifiesto su espíritu totalitario tales como Johann Herder, Johann Fichte, Friedrich Hegel, Friedrich Schelling, Gustav von Schmoller, Werner Sombart y Friedrich List. Después de transcurrido un tiempo, Bergman escribe, también en la antedicha autobiografía, una muy dolorosa confesión: “Cuando los testimonios de los campos de concentración se abatieron sobre mí, mi entendimiento no fue capaz, en un primer momento, de aceptar lo que veían mis ojos. Al igual que muchos otros, yo decía que las fotos estaban trucadas, que eran infundios propagandísticos. Al vencer, finalmente, la verdad a mi resistencia, fui presa de la desesperación y el desprecio de mí mismo, que era ya una carga grave, se acentuó hasta rebasar el límite de lo soportable”. Más adelante nuestro personaje se topó con partidarios de Mao Tse Tung y consignó: “El fanatismo que recordaba de mi infancia: el mismo pozo emocional, sólo que eran diferentes las banderas. En lugar de aire puro nos dieron deformación, sectarismo, ansiosas complacencias y abuso de poder”. De más está decir que en su Linterna mágica le dedica gran espacio a su profesión como director de cine y de teatro, con lujo de detalles en aspectos técnicos y no técnicos referidos a agudas observaciones de los respectivos procesos de elaboración y de ejecución, al tiempo que se detiene en observaciones también de gran calado sobre los modos y las personalidades de los actores y las actrices que trabajaron con él. Asimismo, dedica largos tramos a exhibir su vida bastante disipada, con intentos de suicido y periódicamente su adicción al alcohol, incluyendo la borrachera. Las biografías sobre Bergman son múltiples, tal vez las más conocidas sean las de Jacques Mandelbaum, Vernon Young, Jesse Kalin, Roger Oliver y, en coautoría, Maaret Koskinen y Liv Ullmann. Todos se sorprenden de la maestría, el rigor y la asombrosa producción de este célebre director y guionista magistral quien traspasó todas las fronteras y los ámbitos artísticos. Como es sabido, en estos menesteres el manejo del tiempo en los escritos puede ser lineal, circular y estanco, o a saltos para adelante y para atrás. Este último procedimiento es el que usa Bergman en el relato de sus memorias. En estas pocas consideraciones no es la intención calibrar su trabajo profesional, que además el que estas líneas escribe no está en condiciones de juzgar a pesar de haber gozado con algunas de sus producciones cinematográficas desde el punto de vista estético de las tomas, las presentaciones y los jugosos diálogos, algunos de cuyos mensajes comparto y otros no, como entiendo que será el caso de todos sus espectadores. Según algunos de sus biógrafos, su presentación de Calígula en las tablas —que Albert Camus había escrito en 1945 para teatro en cuatro actos— influyó grandemente en su percepción de los megalómanos que pretenden dirigir vidas y haciendas ajenas. Como se recordará, Calígula (12-41 d. C.) era hijo adoptivo de Tiberio y como emperador mostró su desprecio a cualquier vestigio de institución republicana; gobernó con gran crueldad en medio de agudas crisis económicas y morales; entre otras, amante de su hermana, por lo que convirtió su palacio en un burdel, al tiempo que se vestía con ropajes de Júpiter y se hacía venerar como dios y, hacia el final de su gestión gubernamental, propuso a su caballo como cónsul. Entre profesionales de la historia hay quienes lo catalogan como enfermo mental, tal como se ha hecho con muchos otros dictadores, lo cual significa que no serían imputables, en lugar de aceptar la maldad y, como explica Thomas Szasz, la patología enseña que la enfermedad significa la lesión de órganos, células o tejidos y no la de ideas dañinas (lo cual no excluye problemas químicos en el cerebro, cosa que con las herramientas disponibles en el momento no ha sido probada en el caso que comentamos, al contrario, mucho se ha escrito sobre la perversión y la malicia del sujeto de marras). En la obra de Camus, el tirano Calígula, al igual que otros de su estirpe, manifiesta: “Yo poseo la verdad. Y precisamente poseo los medios para que la gente viva la verdad”. Con mucha más sinceridad que otros de su calaña, a continuación subraya: “Todas las personas del Imperio que dispongan de alguna fortuna —pequeña o grande, eso da igual— deberán obligatoriamente desheredar a sus hijos y hacer testamento ahora mismo a favor del Estado […] no es más inmoral robar directamente que gravar con impuestos […] Gobernar y robar son la misma cosa, eso es del domino público. Pero cada uno lo hace a su manera. Yo, por mi parte, pienso robar sin tapujos”. Más adelante, Camus le hace decir a su personaje, también al efecto de descubrir su modo de ser y pensar (lo cual en lo que sigue es hoy un lugar común de todos los populismos): “Quiero concederle a este siglo la igualdad”, que puesto en contexto no necesita recalcarse que no se trata del respeto al derecho de cada uno sino de la guillotina horizontal referida a los patrimonios. Termina la perorata el sátrapa afirmando: “Me resulta fácil matar porque no me resulta difícil morir. No, cuanto más lo pienso, más convencido estoy de que no soy un tirano”. En esta línea argumental es del caso puntualizar que cuando se habla de violencia, no debe circunscribirse al robo callejero de delincuentes comunes, sino principalmente a la ejercida desde el poder político, desde el gobierno, que teóricamente está encargado de velar por los derechos de todos y, sin embargo, aplica la fuerza no de carácter defensivo sino de carácter ofensivo. En nombre de una supuesta solidaridad (la violencia nunca puede ser solidaria), usa la fuerza o la amenaza de la fuerza bruta al recurrir al aparato estatal para inmiscuirse en casi todos los aspectos de la vida de los gobernados. Se apodera del fruto del trabajo de la gente para redistribuir ingresos que al malasignar los siempre escasos factores productivos empobrece, recursos que son distribuidos pacífica y voluntariamente en el supermercado y afines; cobra impuestos siderales; se endeuda a escala astronómica; deteriora la moneda y expropia recursos para atender las llamadas empresas estatales; controla precios; establece aranceles aduaneros; deteriora el mercado laboral; establece parques de diversiones y demás dislates que nada tienen que ver con los preceptos republicanos y la consiguiente severa limitación al poder de toda la tradición constitucional desde la Carta Magna de 1215. Y lo tragicómico del asunto es que hay quienes aplauden todo esto pensando que los recursos vienen de una tienda misteriosa, sin entender que son ellos mismos lo que financian todo, especialmente los más pobres, que al disminuirse las tasas de capitalización se contraen sus salarios. La experiencia de un aspecto en la vida de Bergman nos debe servir para llevar a las últimas consecuencias la alerta sobre los horrores del totalitarismo y, sobre todo, para no aceptar avances del aparato estatal en nuestras vidas al efecto de frenar a tiempo el estrangulamiento que produce el Leviatán.

Top 10 Ingmar Bergman Films

INGMAR BERGMAN - La hora del lobo - 1967 -

Gritos y Susurros [Español] [Completa] - Ingmar Bergman

LAS PELÍCULAS DE CARLOS GARDEL

Las películas de Gardel, sus argumentos y sus canciones http://www.todotango.com/historias/cronica/191/Las-peliculas-de-Gardel-sus-argumentos-y-sus-canciones/ Por Guadalupe Aballe FLOR DE DURAZNO Película muda Estreno: 28 de septiembre de 1917, en el Cine Teatro Coliseo Sello: Patria Film Director: Francisco Defilipis Novoa Guión: sobre una adaptación de “Flor de durazno”, de Hugo Wast Filmada en Dolores (Valle de Punilla-Córdoba) y Buenos Aires. Actúan: Ilde Pirovano, Diego Figueroa, Celestino Petray y Silvia Parodi, entre otros. Fabián debe ausentarse del pueblo y Rina, su novia, es seducida por Germán, quien la abandona embarazada. Avergonzada y despreciada por su padre, viaja a Buenos Aires donde sufre varias humillaciones hasta que vuelve al hogar paterno. Ya de regreso, Fabián, perdona a su antigua novia y se casa con ella. El matrimonio tiene un niño que al morir hace revivir viejos rencores, desencadenando un trágico final para todos los protagonistas.

LUCES DE BUENOS AIRES Estreno: 23 de septiembre de 1932, en el Cine Capiol Sello: Paramount Director: Adelqui Millar Guión: Manuel Romero y Luis Bayón Herrera Música: Gerardo Matos Rodríguez, con la participación de la orquesta de Julio De Caro Filmada en Joinville (Francia) Actúan: Sofía Bozán, Vicente Padula, Gloria Guzmán, Pedro Quartucci, entre otros. Anselmo Torres es un sencillo hombre de campo ilusionado con su novia Elvira. Todo iba bien hasta que Elvira va a Buenos Aires con una amiga, con ansias de iniciar una carrera teatral. Preocupado, al no tener noticias de ella, Anselmo viaja acompañado de unos amigos para buscarla. Da con ella y la encuentra en una fiesta de dudosa moralidad. Desengañado y herido, se dirige a un café donde tiene lugar la memorable interpretación de “Tomo y obligo”. Al final, recurren a una ingeniosa estratagema para raptar a Elvira y llevarla nuevamente al campo. Hay final feliz. Gardel interpreta, además, “El rosal” y Sofía Bozán “La provinciana” y “Canto por no llorar”. ESPÉRAME (ANDANZAS DE UN CRIOLLO EN ESPAÑA) Estreno: 5 de octubre de 1933, en el Cine Real Sello: Paramount Director: Luis Gasnier Guión: Alfredo Le Pera Música: Carlos Gardel, Marcel Lattés y Don Aspiazú. Con la participación de la Orquesta Cubana de Aspiazú y del guitarrista Horacio Pettorossi. Filmada en Joinville (Francia) Actúan: Goyita Herrero, Lolita Benavente, Jaime Devesa, entre otros. A Rosario no le agrada la idea de casarse con el pretendiente que elegido por su padre. Ella sueña, día y noche, con un cantor llamado Carlos de Acuña y está dispuesta a todo para hacer realidad su anhelo. Tras muchas peripecias, incluyendo una fuga, Rosario logra unir su afecto con Carlos, ya que este descubre que su rival era, en realidad, un vulgar e inescrupuloso delincuente. Un testigo clave que le dirá la verdad al padre de la joven. Gardel interpreta: “Por tus ojos negros”, “Me da pena confesarlo”, “Criollita de mis ensueños” y “Estudiante”. LA CASA ES SERIA Estreno: 19 de mayo de 1933, en el Cine Suipacha Sello: Paramount Director: Jaquelux Guión: Alfredo Le Pera Música: Carlos Gardel y Marcel Lattés Filmada en Joinville (Francia) Actúan: Imperio Argentina, Lolita Benavente, Josita Hernán, entre otros. Cortometraje perdido, de aproximadamente 25 minutos de duración, cuya banda sonora se conserva. Juan Carlos Romero persigue en forma insistente a Carmen Rivera, haciendo caso omiso de las protestas de la mujer. Hasta que el perseverante admirador logra que ella lo acepte. Acuerdan que él irá a visitarla, yendo hasta su ventana y, ante la señal convenida, Carmen arrojaría su llave para que él pudiera entrar. Al llegar el momento y hacer su señal, un montón de llaves son arrojadas de varias ventanas. Gardel interpreta “Recuerdo malevo” y “Quiéreme”, que no fue llevada al disco. MELODÍA DE ARRABAL Estreno: 5 de abril de 1933, en el Cine Porteño Sello: Paramount Director: Luis Gasnier Guión: Alfredo Le Pera Música: Carlos Gardel, José Sentis, Horacio Pettorossi, Marcel Lattés y Raúl Moretti…

PELÍCULAS SOBRE SU VIDA EL ÚLTIMO PAYADOR Temas musicales: "Como quiere la madre a sus hijos", "Tu diagnóstico", "Pobre mi madre querida", "Saludo a Paysandú".

Director: Homero Manzi y Ralph Papier País: Argentina Año: 1950 Intérpretes: Hugo del Carril, Aída Luz, Orquídea Pino, Gregorio Cicarelli, Ricardo Passano (h) Género: Drama / Musical inopsis: La apoteosis de la opereta tanguera, inaugurada por las películas de Carlos Gardel y prolongada por las que Libertad Lamarque protagonizó para José Agustín Ferreyra, se produjo a partir de 1948 con el feliz encuentro entre Hugo del Carril y Homero Manzi, uno de los máximos poetas del tango y guionistas del cine argentino. "El último payador" cuenta con gran dramatismo sentimental la historia del poeta rioplatense José Betinotti. Fue recreada por Homero Manzi sobre la base de algunas crónicas, con mucha imaginación y a través del dictado de las letras de las canciones, que van glosandola acción y la van motorizando. Fue producida por Estudios San Miguel como una segunda vuelta sobre el éxito que había tenido la anterior, "Pobre mi madre querida", aunque aquí no había papel para Emma Gramatica. Vuelve en cambio a poner su nota emotiva y a veces desgarrante la espléndida Aída Luz, en una caracterización muy distinta a la anterior. Junto a ellos, un cómico de mucho carácter, Tomás Simari, encarna a la figura histórica del payaso Frank Brown, una buena excusa pra jugar las escenas de circo que recoren la trama y para articular un misterio insondable como el que pervive najo la carpa. Mas información extraida de: http://www.divxclasico.com/foro/viewt...

El.Ultimo.Payador.1950

Películas basadas en cuentos de Fontanarrosa-CUESTIÓN DE PRINCIPIOS

Roberto Fontanarrosa Humorista gráfico Roberto Alfredo el Negro Fontanarrosa fue un humorista gráfico y escritor argentino. Wikipedia Fecha de nacimiento: 26 de noviembre de 1944, Rosario Fecha de la muerte: 19 de julio de 2007, Argentina Películas: Metegol, Boogie, el aceitoso, Martín Fierro: la película Padres: Roberto Fontanarrosa Voelklein, Rosa Lac Prugent Hijos: Franco Fontanarrosa

link:http://www.telam.com.ar/notas/201307/25385-10-cuentos-del-negro-fontanarrosa-para-escuchar.html - ESCUCHAR LOS CUENTOS DE FONTANARROSA VIDEO:http://espaciodehorbebii.blogspot.com.ar/2014/07/roberto-fontanarrosa-jorge-maronna-luis.html - VER “Cuestión de Principios”, una película basada en un cuento de Fontanarrosa 01/07/10 |Este jueves el Ciclo de Cine propone la proyección del largometraje “Cuestión de Principios” (Comedia, Argentina, 2009, 109’). La cita es a las esta noche, a las 21, en Casa de la Cultura (25 de Mayo 734). La película, filmada en Rosario, fue dirigida por Rodrigo Grande y entre sus principales intérpretes se destacan Norma Aleandro, Federico Luppi y Pablo Echarri. Esta película, basada en el cuento “Cuestión de principios” de Roberto Fontanarrosa, uno de los más populares escritores y dibujantes argentinos, cuenta la lucha encarnizada por una revista entre Castilla, un empleado mayor, y Silva, su jefe y joven gerente. Sinopsis: El viejo Castilla (Federico Luppi) está absolutamente convencido de saber lo que debe hacerse en cada ocasión donde intervienen la ética y los principios. Un hombre chapado a la antigua, podrán decir algunos. Un perfecto caballero, dicen las mujeres que trabajan con él. Un auténtico tonto, dicen sus compañeros de trabajo. Un día Castilla se da cuenta de que tiene el número 48 de la antigua revista Tertulias, justo el que le falta a su nuevo jefe Silva (Pablo Echarri) para completar una colección que mantiene como hobbie. Silva es un joven que ha modificado íntegramente la imagen de la empresa donde Castilla ha trabajado desde siempre, cosa que le ha causado mucha molestia. Castilla, dando una de sus notables lecciones de moral, esta vez a su jefe, se niega a venderle este número de la revista frente a toda la plana mayor de la empresa “porque no todo se puede comprar”. A Silva por supuesto no le cae nada en gracias este desaire de un subalterno. Por lo tanto se propone demostrar a todos, sin echarlo, que logrará obtener la revista y quebrar la voluntad del viejo Castilla. A partir de ahí comenzará su calvario. Silva logrará enfrentarlo con su mujer Sarita (Norma Aleandro) y hasta con su hijo Rolito, al ofrecerle una cifra desmesurada por la revista. Castilla comienza a verse tentado a venderla, pero presa de la falsa admiración de sus compañeros, de sus palabras y de sus actos, no puede dar marcha atrás. Todo al final será una cuestión de principios. Con una entrada libre y gratuita, la dirección de Cultura invita a toda la comunidad a participar del Ciclo de Cine. SINOPSIS:http://www.diarioelargentino.com.ar/noticias/76785/cuestion-de-principios-una-pelicula-basada-en-un-cuento-de-fontanarrosa

Cuestion de Principios PELICULA COMPLETA

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Cautiva 2003 SPANiSH

Título Intocable Amigos intocables

Sinopsis[editar] La película narra la relación entre dos personajes totalmente opuestos y procedentes de entornos diferentes. Uno, Driss, de origen senegalés, vive en un barrio obrero de París, con antecedentes penales, vitalista, descarado, divertido e irreflexivo; el otro, Phillippe, un rico tetrapléjico culto y muy poco espontáneo, que necesita un ayudante personal. Driss acude a la entrevista esperando ser rechazado y con la sola pretensión de poder sellar sus papeles para cobrar el paro. Sin embargo, es sorprendentemente contratado, pese a su descaro y a no tener ninguna formación profesional. Los motivos de Phillippe, harto de lidiar con cuidadores que sentían piedad de él, fue el ver que no le tenía compasión alguna y el reto de conseguir que el rebelde joven fuera capaz de realizar un trabajo y adaptarse a unos estrictos horarios y rutinas responsablemente. Poco a poco, la relación entre empleado y empleador se va convirtiendo en la amistad de dos personas que se ayudan mutuamente a enfrentar y superar las dificultades de sus respectivos mundos. Premios[editar] La película ha obtenido, entre otros, los siguientes premios: Premio Goya a la mejor película europea de 2012. Premio César al mejor actor de 2012 para Omar Sy. Asociación de Críticos de Chicago, Nominada mejor película extranjera de 2012 ítulo Intocable Amigos intocables Ficha técnica Dirección Olivier Nakache Éric Toledano Producción Harvey Weinstein Laurent Zeitoun Guion Oliver Nakache Música Ludovico Einaudi Fotografía Mathieu Vadepied Montaje Dorian Rigal-Ansous Protagonistas François Cluzet Omar Sy Ver todos los créditos (IMDb) Datos y cifras País(es) Francia Año 2011 Género Comedia dramática Duración 112 minutos Clasificación ATP Idioma(s) Francés Compañías Productora Gaumont Film Company Distribución Gaumont Film Company

Pelicula Completa en español | Amigos Intocables

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Nunca es Tarde para Enamorarse 2008 - peliculas completas en español

LOS GAUCHOS JUDÍOS-SINOPSIS

Publicado el 2 sept. 2014-YOUTUBE SINÓPSIS: La película recrea la llegada de un grupo de inmigrantes judíos que huyendo de la persecución de la Rusia zarista; se establecieron las primeras colonias agrícolas hebréas (similares a los kibutzim existentes en Israel), en la provincia de Entre Ríos, Argentina. El término fue inventado por el escritor Alberto Gerchunoff en su libro "Los gauchos judíos" (1910). Conocermos cómo lograron integrarse con los habitantes autóctonos en lo que para la época del Centernario se conoció como "Crisol de razas".

HISTORIA: Las primeras ocho familias judías llegaron a la Argentina en octubre de 1888. En agosto de 1889, comenzó la inmigración judía a la Argentina a través de la Jewish Colonization Association, del Barón Mauricio de Hirsch que compro tierras donde miles de judíos provenientes de Rusia, Rumanía y otros lugares de Europa oriental comenzaron paulatinamente a vivir, trabajar y desarrollarse. La mayoría de estos inmigrantes eran de Podolia y de Besarabia, en la Rusia imperial. A comienzos del siglo XX, la Provincia de Entre Ríos llegó a tener cerca de 170 colonias judías; la actividad productiva se centraba en productos de granja, la industria quesera y lechera, la cría de ganado y los cultivos agrícolas. Una de las primeras colonias judías fue Moïseville (hoy la Ciudad de Moisés Ville), en la Provincia de Santa Fe. Otra de las colonias es Colonia Lapin situada en la Provincia de Buenos Aires. En el país comenzaron a desarrollarse las cooperativas agrícolas, que dieron gran impulso a las colonias judías, que adelantaban dinero a los colonos, les proporcionaban semillas, herramientas y artículos a precios convenientes. Estos vendían en común los productos de la tierra. Con el producto de sus ganancias mantenían hospitales, bibliotecas, cementerios y centros culturales tanto para su comunidad así como para toda la población. También se instalaron colonias en la Provincia de Santiago del Estero y la Provincia de La Pampa.

SOBRE EL LIBRO Y SU AUTOR: El novelista, periodista y profesor universitario Alberto Gerchunoff describe en su novela "Los gauchos judíos", la visión de la utopía agraria de los colonos judíos en los campos argentinos. Esta singular experiencia agrícola se desarrolla en esa tierra utópica, ese otro lugar donde era posible empezar una vida nueva. Para ellos, las pampas argentinas eran ese otro lugar, era como la Tierra Prometida. De niño Gerchunoff había escuchado de boca de su padre, un judío de tradición rabínica antes de inmigrar, acerca de esa nueva tierra de promesas, cuando éste le anticipa que iban a ser agricultores y trabajarían la tierra «como los antiguos judíos de la Biblia». Entre las muchas novelas y ensayos que escribió sobre la vida de los judíos en Latinoamérica se destaca Los gauchos judíos (1910), compuesta en homenaje al centenario de la Revolución de Mayo, donde recoge estampas y relatos de la inmigración judía en la Argentina inspirados en sus recuerdos de niñez y adolescencia.

SOBRE INMIGRACIÓN JUDÍA EN ARGENTINA: ver http://es.wikipedia.org/wiki/Historia...

Los Gauchos Judios, J. J. Jusid (1975). [1ª parte]

Breve Historia del origen del "Gaucho" rioplatense. Musical.

"Gaucho" : origen vasco de la palabra.

Facundo, La Sombra Del Tigre 1995 PELÍCULA COMPLETA

CONQUISTA DEL PARAÍSO

Y HUBO MÁS VERSIONES A TRAVÉS DEL TIEMPO... SINOPSIS VER SIGUIENTES VIDEOS: Duración: 2 horas y 35 minutos Fragmentada en 3 partes 1492: La conquista del paraíso es una película dirigida por Ridley Scott, estrenada el 12 de octubre de 1992, como conmemoración del descubrimiento de América. SINOPSIS Cristóbal Colón, un navegante genovés, sueña con encontrar una ruta marítima nueva que permita a Castilla llegar directamente a los mercados de Asia, a fin de prescindir de los intermediarios que encarecían las mercancías. Colón había presentado su proyecto al rey de Portugal, pero los expertos lo rechazaron porque lo juzgaron factible pero ruinoso. También en Castilla fue rechazado al principio. A pesar de todo, Colón consigue el apoyo del padre Marchena y del armador Martín Alonso Pinzón. Además, el banquero valenciano Luis de Santángel le promete una audiencia con la Reina Isabel de Castilla, que aprueba el proyecto. El 3 de agosto de 1492, Colón zarpa del Puerto de Palos, ignorando que entre Europa y Asia se interponían un continente (América) y un océano (el Pacífico) que no figuraban en los mapas. El 12 de Octubre de 1492, 'La Pinta', 'La Niña' y 'La Santa María', atracan en una pequeña isla del Caribe a la que llamarán San Salvador. Colón ha descubierto un nuevo continente que ensancha los límites del mundo conocido hasta entonces. Comienza entonces uno de los capítulos más brillantes de la Historia de la humanidad. LOCACIONES: España Cáceres: Catedral de Santa María, Plaza de San Jorge, y en su casco antiguo en general. Trujillo (Cáceres): Puerta o Arco del Triunfo, Casa Fuerte de los Bejaranos, Muralla y Zona Monumental. Salamanca: Catedral Nueva, Universidad, Iglesia de la Clerecía y Convento de San Esteban. Sevilla: Casa de Pilatos y Reales Alcázares. Costa Rica

1492 LA CONQUISTA DEL PARAISO - PELICULA COMPLETA (1° PARTE)

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CANDILEJAS

Candilejas Limelight Chaplin - Bloom - 1952-1.jpg Charlie Chaplin y Claire Bloom Título Candilejas Ficha técnica Dirección Charles Chaplin Producción Charles Chaplin Guion Charles Chaplin Música Charles Chaplin Fotografía Karl Struss Protagonistas Charles Chaplin Claire Bloom Nigel Bruce Buster Keaton Sydney Chaplin Ver todos los créditos (IMDb) Datos y cifras País(es) Estados Unidos Año 1952 Género Comedia dramática Duración 134 minutos Idioma(s) Inglés Compañías Productora United Artists Distribución United Artists Ficha en IMDb [editar datos en Wikidata]WIKIPEDIA Para otros usos de este término, véase Candilejas (desambiguación). Candilejas (Limelight) es una película de cine de 1952 con guion, producción, dirección y actuación de Charles Chaplin. La trama se sitúa en Londres durante la Primera Guerra Mundial. Un veterano cómico llamado Calvero (Charles Chaplin), en plena decadencia y alcohólico, acoge en su casa a una joven atormentada a la que salva cuando esta se va a suicidar, intoxicada con gas. Tras el accidente, la muchacha sufre un trastorno psicológico que la hace creer que está paralítica. El cómico intentará que la joven Thereza (Claire Bloom) vuelva a caminar y recupere su afición por la danza. Juntos consiguen que Terry, como la llaman los pocos allegados que le quedan, triunfe en el ballet unos pocos años después, pero Calvero siente que su tiempo ya ha pasado, como queda patente al ser rechazado por el público en su regreso a los escenarios. Aunque Thereza profesa un gran amor por Calvero, él la rechazará por ser consciente de que una mujer joven no puede estar con alguien como él. Esta situación se agravará con la llegada del Capitán Neville, el joven pretendiente de Thereza. Análisis[editar] Candilejas, última película que produjo Chaplin en Estados Unidos, es para algunos, por su sensibilidad y originalidad, su mejor película, aunque es, hasta el día de hoy, uno de sus filmes menos conocidos, debido a la censura impuesta en los EE.UU. por su anterior trabajo, Monsieur Verdoux. Esta dramática situación, que lo llevó a que se refugiara en Europa, le motivó a realizar la película. Con marcados tintes autobiográficos, mucho simbolismo, un guion perfectamente redactado y una magistral banda sonora original, "Candilejas" destaca por la mezcla entre comedia y drama a lo largo del film. Tan solo el título, ya rescata los orígenes artísticos de Chaplin en el teatro, a finales del siglo XIX. La relación entre Calvero y Thereza es una clara referencia al amor entre Chaplin y Oona, que escandalizó a la sociedad por sus casi cuatro décadas de diferencia. El filme, situado en Londres, en 1914, refleja la añoranza de Chaplin por su ciudad natal, justo antes de abandonarla en la Primera Guerra Mundial. Esta película podría considerarse una despedida de dos grandes genios del cine mudo, Chaplin y Keaton, dioses del pasado que ceden resignados el relevo a las nuevas generaciones. Tiene por tanto un tinte autobiográfico, reflejado magistralmente en la escena donde Thereza es contratada como prima ballerina y Calvero queda solo en un escenario en el que se apagan una a una las luces, después de haber sido aceptado como de payaso de comparsa con un nombre falso. La banda sonora de la película, compuesta por el propio Chaplin y arreglada por Ray Rasch y Larry Russell, es considerada entre las mejores partituras de la historia del cine. En 1973, veintiún años después, Chaplin recibió su único Oscar competitivo por esta magistral melodía, a los 83 años de edad. Adaptación teatral[editar] El 11 de mayo de 2012, Candilejas tuvo su primera representación teatral en Lima (Perú) con dirección y adaptación de guion de Ariel Varela.

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CITA A CIEGAS

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Diarios de motocicleta (2004) Solapas principales Ver(solapa activa) Ficha técnica completa Críticas (7) Diarios de motocicleta - Afiche Dirección: Walter Salles Guión: José Rivera basado en los libros "Notas de viaje", de Ernesto Guevara y "Con el Che por Latinoamérica", de Alberto Granado Sinopsis Basada en los diarios del Che Guevara, la película cuenta el viaje que hizo el revolucionario junto con un amigo en motocicleta a través de América Latina. + Leer más ATP 126 min - Color Estreno: 29 de julio de 2004

DR ZIVAGO EN ESPAÑOL

El Médico - Película en Castellano

La Huella del Doctor Ernesto Guevara [Pelicula Completa]

9.207 fichas técnicas, 46.310 filmografías y 20.162 fotos Seguinos en Facebook Di buen día a papá (2005)

Menú principalPELÍCULAS PERSONAS BLOG ACERCA La base de datos más completa sobre cine argentino: 9.207 fichas técnicas, 46.310 filmografías y 20.162 fotos Seguinos en Facebook Di buen día a papá (2005) Solapas principales Ver(solapa activa) Ficha técnica completa Críticas (4) Di buen día a papá - Afiche Dirección: Fernando Vargas Guión: Fernando Vargas sobre una historia de Verónica Córdoba Sinopsis En un lugar de Valle Grande, Bolivia, se encuentra enterrado Ernesto Che Guevara. Esta es la historia de tres generaciones de valle grandinos, donde las vidas de los protagonistas se entrelazan para narrar la historia de Valle Grande, un pequeño pueblo que por 30 años escondió los restos del revolucionario. + Leer más SAM13 115 min - Color Estreno: 13 de octubre de 2005

DI BUEN DIA A PAPA

10 películas sobre el Che Guevara

http://www.telam.com.ar/notas/201506/108644-10-peliculas-sobre-el-che-guevara.html 10 películas sobre el Che Guevara EL 14 DE JUNIO ERNESTO CHE GUEVARA CUMPLIRÍA 87 AÑOS: NACIÓ EN 1928, EN ROSARIO, Y LLEGÓ A SER UN EMBLEMA DE LA LUCHA REVOLUCIONARIA EN EL SIGLO XX, AL DEDICAR SU VIDA AL COMBATE DEL IMPERIALISMO Y LAS INJUSTICIAS SOCIALES. ESTE MÉDICO Y ESCRITOR, PRÓCER DE LA REVOLUCIÓN CUBANA DE 1959, FUE ASESINADO EN 1967 EN BOLIVIA, DONDE PLANEABA EXPANDIR LA REVOLUCIÓN EN EL CONO SUR. FIGURA FASCINANTE, SU VIDA NÓMADE ES REALMENTE DE PELÍCULA Y POR ESO ELEGIMOS 10, ENTRE MUCHAS, QUE INTENTARON, COMO PUDIERON, ACERCARNOS UNA PARTE DE SU INTENSO DEVENIR. etiquetasefeméridescine argentinoChe Guevara multimedia 1 Hasta la victoria siempre Santiago Álvarez /Cuba/ 1967. Un par de meses después de iniciada la Revolución Cubana se funda el ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), que mediante la producción de películas supo contrarrestar la imagen negativa que la mayoría de la prensa internacional construyó alrededor de la revolución. El director que más sobresalió en este terreno fue Santiago Álvarez, y no sólo por su sostenida filiación pro revolucionaria sino por su excelente manejo del lenguaje audiovisual. Uno de sus mejores trabajos es Hasta la victoria siempre, mediometraje realizado en apenas dos días y con muy poco material a su disposición, pero el suficiente para convertirse en un profundamente emotivo homenaje al Che Guevara a pocos días de su muerte. Ver ficha.

2 Che! Richard Fleischer/ EEUU/1969. ¿Omar Sharif haciendo de Guevara y Jack Palance como Fidel Castro? Esta insólita película no aporta absolutamente nada en un repaso histórico de la figura del Che, pero resulta que es la única ficción realizada por el Hollywood de derechas y difícil no sospechar de una de las tantas intervenciones de la CIA en la industria cinematográfica. Fue realizada un par de años después de la muerte del Che, durante la presidencia de Nixon, seguramente en un intento por contrarrestar al mito que nacía a fuerza de una visión elemental y hasta ingenua del proceso revolucionario cubano: en síntesis, se trata de unos crueles barbudos con sed de sangre. Además, y por sobre todo, la película es muy mala, fracaso total de taquilla, que apenas es recordada por un par de escenas increíbles, como la del Che Guevara gozando al sacarle una muela sin anestesia a Fidel Castro. Ver ficha.

3 Una foto recorre el mundo Pedro Chaskel/Cuba/ 1981. También producido por el ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), este cortometraje documental del chileno-alemán Pedro Chaskel cuenta la historia del retrato fotográfico más famoso del siglo XX. Seguramente, cuando el fotógrafo cubano Alberto Korda capturó con su cámara al Che Guevara no se imaginó que aquella imagen se convertiría en el mascarón de proa de toda lucha revolucionaria. Y mucho menos habrá imaginado que su foto se transformaría en una estampa pop, mercantilizada hasta el hartazgo en posters, tatuajes y remeras. De lo que sí puede dar cuenta Korda es de la sensación que tuvo al tomar la foto del Che, unos breves segundos en los que el tiempo pareció detenerse. Ver ficha.

Cortometraje completo. 4 Mi hijo el Che / Che, ¿muerte de la utopía? Fernando Birri/Cuba - Argentina / 1985-1997. El santafesino Birri, reconocido pionero del cine social latinoamericano, realizó dos ineludibles filmes sobre la figura de Guevara. El primero lo hizo en Cuba, país en el que se radicó hace ya varias décadas para fundar la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños. Se trata de Mi hijo el Che, un retrato del revolucionario a través de los recuerdos y testimonios de sus familiares, sobre todo de su padre Ernesto Guevara Lynch, personaje culto, fascinante, sumamente entretenido que Birri hace relucir en diálogos fluidos. Fotos, cartas, metrajes antiguos y anécdotas acompañadas de una reafirmación de los ideales humanistas de Ernesto hijo. En 1997, con motivo del treinta aniversario de su muerte, Birri vuelve a recorrer los senderos de la gesta revolucionaria con Che, ¿muerte de la utopía? Un recorrido que no se conforma con los efectos emocionales sino que reflexiona seriamente sobre la vigencia de las utopías y los ideales de la revolución socialista. Ver ficha Mi hijo el Che. Ver ficha Che, ¿muerte de la utopía?.

Inicio de Mi hijo el Che. 5 Diario del Che en Bolivia Ernesto Che Guevara: le journal de Bolivie/Richard Dindo/Suiza/1994. Aunque muy poco difundido en nuestro país (fue editada en su momento en VHS), se trata de uno de los mejores documentales acerca de la figura del Che. Realizado por el muy prestigioso documentalista suizo – francés Richard Dindo, el filme consiste en un recorrido por los lugares que el Che transitó durante su estadía final en Bolivia, y las reflexiones que dejó testimoniadas en su diario. Una voz en off nos lee los escritos de Guevara, recortes de archivo nos llevan hacia el antes y después de este relato, y una cámara recorre los lugares citados, ahora vacíos e inquietantes. Un documental que en un principio parece frío y distante, pero que en su sostenida búsqueda de sensaciones aporta mucha información y emociona a la vez. Ver ficha.

Fragmento. 6 Hasta la victoria siempre/ El Che Juan Carlos Desanzo – Aníbal Di Salvo/Argentina/ 1997. La mención de estas dos ficciones es casi obligada puesto que fueron los únicos intentos de este tipo realizados en nuestro país. Ambas fueron hechas cuando en 1997 se cumplieron los 30 años de la muerte de Guevara, respondiendo a un afán revisionista de la figura del Che. De todos modos, ambas se complementan ya que abordan distintos momentos de la vida de Guevara. Hasta la victoria siempre, protagonizada por Alfredo Vasco, muestra a un Guevara niño, su infancia en Córdoba, sus viajes por Latinoamérica y su encuentro con Fidel Castro, comienzo de su actividad revolucionaria en Cuba que culmina con el ingreso triunfal a La Habana. El Che de Aníbal Di Salvo fue protagonizada por Miguel Ruíz Díaz y continúa con el derrotero de Guevara cuando sale de Cuba y llega a Bolivia para apoyar la revolución campesina. Proyectos ambiciosos cuyo mayor descuido fue el de desaprovechar la riqueza y complejidad del personaje y que inevitablemente no arrojaron buenos resultados. El abordaje ficcional de la historia del Che Guevara quedó como una cuenta pendiente de nuestro cine que con el estreno de “Diarios de motocicleta” se saldó parcialmente, ya que se trató de una producción mayoritariamente extranjera. Ver ficha Hasta la victoria siempre. Ver ficha El Che.

Fragmento de Hasta la victoria siempre. 7 Diarios de motocicleta Walter Salles/Brasil-Argentina-Chile-Perú/2004. Seguramente la mejor película de ficción sobre el Che Guevara. Sobresaliente en todos los rubros técnicos y artísticos, con dos actores (Gael García Bernal como el Che y Rodrigo De la Serna como su compañero Granados) logrando los mejores trabajos de sus carreras. Pero lo que en gran parte explica su éxito fue el acierto en la elección de un tramo profundamente significativo en la vida del joven médico Ernesto Guevara Lynch: aquel viaje en moto por la América del Sur profunda, colorida y desgarrada. Una historia sumamente entretenida por su ritmo de road movie, por evitar innecesarios discursos, y que se vale de aquellas experiencias juveniles para anunciar al futuro Che: su curiosidad, su sensibilidad, sus motivaciones, su honestidad y un destino que se adivina en gestos mínimos. Ver ficha. Película completa.

8 Di buen día papá Fernando Vargas/ Argentina-Bolivia-Cuba/ 2005. Toda una curiosidad resulta esta película poco vista en la Argentina cuyo principal atractivo es el de abordar el punto de vista de los habitantes de Valle Grande, allí donde fue asesinado Ernesto Che Guevara, asumiendo el carácter de santo que éstos le atribuyeron. La historia atraviesa tres generaciones de “vallegrandinos” y su convivencia con toda la construcción mitológica que late alrededor de la figura del Che, y de cómo llevan una vida normal en un escenario de tanto simbolismo para los habitantes de toda Latinoamérica. Una experiencia cinematográfica realizada con honestidad y entusiasmo, que merecería ser revisada por su original planteo. Ver ficha. Trailer. 9 Che El Argentino/ Che Guerrilla Steven Soderbergh / EEUU/2008. Hay veces que en el cine aparecen películas que se proponen como las biografías definitivas de un personaje. Un objetivo imposible porque a su turno cada generación tendrá la necesidad de revisar la historia, y más aún con una figura como la del Che Guevara. Algo así sucede con este díptico protagonizado y dirigido por dos nombres fuertes de Hollywood como Benicio Del Toro y Steven Soderbergh, respectivamente. La primera parte narra los sucesos que desembocaron en la caída del régimen de Batista y el inicio de la revolución cubana, mientras la segunda se centra en sus actividades revolucionarias fuera de Cuba, con una recreación de su histórico discurso en la ONU y su campaña en la selva boliviana, en donde será ejecutado. Lo valioso de esta película es que se trata de un acercamiento sincero y exhaustivo hacia la figura del Che, sobre todo de parte de Benicio del Toro, totalmente identificado con el personaje y a todas luces impulsor de un proyecto para el que investigó durante mucho tiempo. Ver ficha Che El Argentino. Ver ficha Che Guerrilla. Trailer de Che, el Argentino. 10 Che, un hombre nuevo Tristan Bauer/Argentina/2009. Extenso y riguroso recorrido por la vida del Che Guevara, que se inicia con la búsqueda que el director en persona hace de los archivos que aporten datos sobre su ejecución en Bolivia. Tristán Bauer y Cristina Scaglione asumen el rol de investigadores y aportan datos nuevos, que sumados a los que forman parte de la biografía básica componen lo que es hasta ahora el informe más completo sobre el Che Guevara. Película que hace un máximo aprovechamiento de recursos documentales aportando novedades de archivo facilitados por su viuda Adelaida March: fotos, metrajes de archivo, registros sonoros, fotografías, cartas y escritos por el puño de Guevara. Y también un importante aporte de los archivos militares de Bolivia, gracias al trabajo de Evo Morales. Hilvanando todo este material enormemente valioso, el relato cronológico de Bauer es narrado con distancia y precisión.

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COMENTARIO DE LA PELÍCULA "LA MUERTE Y LA BRÚJULA"

Actualizado el 22 may. 2011 Corto realizado como trabajo curricular de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido UBA. Año : 2000 - PARTE 1 - Dirección: Jorge Leandro Colás Producción: Carolina M. Fernández Guión: Esteban Böhm - Basado en el cuento de Jorge Luis Borges Fotografía: Diego Del Piano Dirección de Arte: Cora Fico & Anabella Bustos Montaje: Daniel Cedio Salvador Savarese Sonido: Caldeiro&Cernik Intérpretes: Roberto Catarineu, Oscar Ferrigno, Horacio Derrón, Oscar Garcé, Sergio Preuss, Pablo Gatti y elenco. Gracias a todos los que hicieron posible este proyecto! Contacto: produccion@salamancacine.com.ar

Jorge Luis Borges (La Muerte Y La Brújula)

La muerte y la brújula - Parte 1 -

La muerte y la brújula - Parte 2 -

Borges inspira dos películas

Borges inspira dos películas El escritor Jorge Luis Borges era fanático del cine, desde siempre, pero sus textos son de la clase que no permite fáciles adaptaciones. Ahora salen a la palestra un filme italiano cuyo protagonista es una suerte de Borges y una adaptación del cuento "La muerte y la brújula". ¿Se viene la "borgesmanía" en el cine? El director italiano Fabio Carpi viajó a la India para filmar las escenas finales de la película Nel profondo paese straniero (En el profundo país extranjero), cuyo personaje central, a cargo del francés Claude Rich, está inspirado en Jorge Luis Borges. La historia se basa en una ambigua relación que se establece entre un anciano escritor semiciego que vive muy apegado a su madre y una joven compañera de viajes. Con un costo total de unos 3.500.000 dólares, la película es una coproducción ítalo"franco"suiza y se filmó en Sevilla, Madrid, Zurich, Munich, Roma y, ahora, en Calcuta.

Carpi señaló que "no es en absoluto una película sobre Borges, pero es cierto que sin su figura no se me habría ocurrido escribir este guión". El director de Cuarteto Basileus, con Héctor Alterio, vuelve sobre algunas de sus obsesiones, como la vejez, la muerte y el amor. Según el cineasta, la elección de un actor francés para encarnar a Borges se debe a que "el personaje de René (Claude Rich) es francés, y además, porque los actores italianos de cierta edad son ideales para interpretar comedias, son excelentes para mostrar la "vida exterior", pero no saben representar bien la "vida interior"". Hasta ahora, fueron muchos los intentos de apresar a Borges en la ficción. En la película de Alex Cox, basada en el cuento del propio Borges, La muerte y la brújula, el escritor es uno de los personajes; un detective ciego, llamado Comandante Borges, que no existe en el texto original. Esta producción británica, exhibida en el reciente Festival de Mar del Plata, está protagonizada por el norteamericano Peter Boyle. El comic Perramus de Juan Sasturain y Alberto Breccia lo colocó en medio de una historia de dictadura y violencia; la novela de Jorge Manzur, El simulador, lo hizo sufrir el robo del manuscrito de la supuesta única novela que escribió. Pero antes que todos, Borges mismo entró en la ficción por pluma propia. Sus cuentos Ulrica y Tlçon, Uqbar, Orbis Tertuis, lo pusieron como personaje. Y por el momento, este último sigue siendo el mejor Borges.

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MENTIRAS PIADOSAS

SINOPSIS / HISTORIA - ¿Cuál es el argumento de esta película y de qué trata? Mentiras piadosas, película completa - La historia gira en torno a una familia argentina de fines de los años '50s y se desarrolla íntegramente en su casa. Cuando el hijo menor viaja a París buscando desarrollar su carrera como músico, desaparece sin dar noticias, lo que agrava el débil estado de salud de la madre. Sus hermanos, en complicidad con los tíos, comienzan a enviar cartas falsas y regalos de París, inventando una gira por Europa y otros motivos para postergar el regreso, mientras intentan averiguar qué es lo que realmente ocurrió con él. Esta ficción compartida crece involucrando a otros pesonajes, principalmente a la novia del ausente, que es utilizada por la madre para hacerlo volver, convenciéndola de preparar la boda. Las complicaciones se ramifican mientras la ficción creada y la realidad de los personajes se confunden. Puedes ver la película Mentiras piadosas gratis por televisión por cable o con servicios de alquiler VoD con audio original en español, subtitulada y doblada al español latino o castellano (Estados Unidos, México, España y Latinoamérica). La disponibilidad de idiomas y subtítulos varía según el servicio utilizado. Esta película se estrenó oficialmente en cines el 20 de Agosto del año 2009 (películas de 2008). La edición en DVD full y Blu-Ray HD/3D de la película completa en buena calidad visual más trailer oficial, comentarios del director, escenas eliminadas y extras generalmente se comercializa luego de su estreno oficial en festivales o salas cinematográficas de Argentina y otras partes del mundo. Título alternativo: Made Up Memories (Internacional).

Cortázar al cine. Presentación de la película Mentiras Piadosas

Intimidad de los Parques (Manuel Antin, 1965)

Blow Up y la inspiración de Las babas del diablo de Julio Cortázar

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano)

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) 1966 ‧ Cine dramático/Suspenso ‧ 1h 51m 7/10 FilmAffinity 7,7/10 IMDb 86 % Rotten Tomatoes Blow-Up es una película ítalo-británica de 1966, conocida en España e Hispanoamérica como Deseo de una mañana de verano, dirigida por Michelangelo Antonioni y con David Hemmings en el papel principal. Wikipedia Fecha de estreno: 18 de diciembre de 1966 (Estados Unidos) Director: Michelangelo Antonioni Fotografía: Carlo Di Palma Música compuesta por: Herbie Hancock Historia creada por: Michelangelo Antonioni, Julio Cortázar VER AQUÍ: http://miradetodo.com.ar/video/82GKN14U811G/Blowup-Deseo-en-una-maana-de-verano-Blowup-1966-VER-COMPLETA-ONLINE-720p-HD (NO EXISTE LIBRE ACCESO)